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RENASCIMENTO/RENAISSANCE



 Renascimento/Renaissance                                             

Português et Francês
                                         
Movimento artístico que se manifestou na pintura, escultura e arquitetura, em toda a Europa, aproximadamente de 1400 a 1600. Os traços principais da arte renascentista são a imitação das formas clássicas da antiguidade greco-romana e a preocupação com a vida profana, o humanismo e o indivíduo.
Renascimento, Renascença ou Renascentismo são os termos usados para identificar o período da História da Europa aproximadamente entre fins do século XIII e meados do século XVII, mas os estudiosos não chegaram a um consenso sobre essa cronologia, havendo variações consideráveis nas datas conforme o autor. Seja como for, o período foi marcado por transformações em muitas áreas da vida humana, que assinalam o final da Idade Média e o início da Idade Moderna. Apesar destas transformações serem bem evidentes na cultura, sociedade, economia, política e religião, caracterizando a transição do feudalismo para o capitalismo e significando uma ruptura com as estruturas medievais, o termo é mais comumente empregado para descrever seus efeitos nas artes, na filosofia e nas ciências.
Chamou-se "Renascimento" em virtude da redescoberta e revalorização das referências culturais da antigüidade clássica, que nortearam as mudanças deste período em direção a um ideal humanista e naturalista. O termo foi registrado pela primeira vez por Giorgio Vasari já no século XVI, mas a noção de Renascimento como hoje o entendemos surgiu a partir da publicação do livro de Jacob Burckhardt A cultura do Renascimento na Itália (1867), onde ele definia o período como uma época de "descoberta do mundo e do homem"

No coração da Florença renascentista
Capital da Toscana, Florença é o primeiro surto da Renascença. Graças ao patrocínio de grandes famílias de mercadores e banqueiros, os Medici, principalmente artes são um desenvolvimento significativo a partir do século XIV e ao longo do século XV. Para o príncipe do estudioso renascentista Lorenzo, o Magnífico, a arte incorpora uma nova ordem e voltou ao serviço da política, além do prazer que ele proporciona.
Com Cimabue, a tinta começa a superar a estética bizantina timidamente, em duas dimensões e rigidez da ordem religiosa. Mas foi com obras impressionantes de Giotto di Bendon (1266-1337), incluindo os afrescos da Capela de Scrovegni, em Pádua, o espaço alarga-se, quase ilusionista e formas tridimensionais que vêm juntos, encontrar o leigo sagrada.
Na primeira metade da pintura toscana Quattrocento é de grande diversidade. Cada artista envolvido nesse movimento, cujas inovações são ainda a marca do Gótico Internacional aprendeu ou dedicaram algumas permanência: Gentile da Fabriano, Fra Angelico ... O artista mais inovador de 1420 é, certamente, Masaccio (Capela Brancacci, Santa Maria del CARMNES, Forence): ele coloca seus personagens em perspectiva e em volume, como sua arquitetura, dá-lhes uma monumentalidade muito esquecido. A sobriedade caracteriza o seu trabalho, e uma nova humanidade, uma presença real e intensa.
A influência deste artista e esta nova forma é considerável pintura pintores de sua geração (Fra Angelico, Paolo Uccello), o seguinte (Filippo Lippi, Domenico Veneziano, Piero della Francesca) e além, incluindo Sandro Botticelli, em seguida, os grandes mestres do Renascimento.
A presença simultânea em Florença no final do século XV eo século XVI adiantado, Leonardo da Vinci, Rafael e Michelangelo, um efeito decisivo no desenvolvimento da pintura. Além de A Virgem das Rochas 1483 (Louvre) , Leonardo da Vinci criou um grande mural, a Última Ceia do refeitório do convento Santa Maria delle Grazie, em Milão. No final do século XV, ele estudou as condições em que a percepção de uma imagem coincide com o objeto que ele representa, e critica os fundamentos da perspectiva óptica. Ele oferece em troca uma nova técnica que chamou sfumato (esfumaçado) e tendo em conta a imagem, as condições de percepção do objeto. Às vezes referido como perspectiva atmosférica, esta técnica é baseada na superposição de camadas muito finas de tintas translúcidas para dar o contorno um assunto nebuloso, correspondente ao embaçamento da visão que é criado com a distância.
Então, em Florença é também afirmou que o maneirismo, no início do século XVI. Movimento Arts Complex, extremamente refinada, que significa bonito em estilo italiano, ou a bella maniera. Ele é visto como um ideal de beleza tende a exacerbar o estilo dos grandes mestres do Renascimento.


Maneirismo envolve a prática intensiva de desenho e um gosto pela distorção. O trabalho consiste em espaço de arte, de forma dispersa, favorece uma certa acidez e códigos de cores complexo gráfico. Maneirismo representada por Vasari, Andrea del Sarto, Bronzino, Giulio Romano, parmesão ou Correggio, particularmente gostava da linha serpentina e deliberadamente romperam com as proporções corretas.O Renascimento cultural manifestou-se primeiro na região italiana da Toscana, tendo como principais centros as cidades de Florença e Siena, de onde se difundiu para o resto da península Itálica e depois para praticamente todos os países da Europa Ocidental, impulsionado pelo desenvolvimento da imprensa por Johannes Gutenberg. A Itália permaneceu sempre como o local onde o movimento apresentou maior expressão, porém manifestações renascentistas de grande importância também ocorreram na Inglaterra, Alemanha, Países Baixos e, menos intensamente, em Portugal e Espanha, e em suas colônias americanas. Alguns críticos, porém, consideram, por várias razões, que o termo "Renascimento" deve ficar circunscrito à cultura italiana desse período, e que a difusão européia dos ideais clássicos italianos pertence com mais propriedade à esfera do Maneirismo. Além disso, estudos realizados nas últimas décadas têm revisado uma quantidade de opiniões historicamente consagradas a respeito deste período, considerando-as insubstanciais ou estereotipadas, e vendo o Renascimento como uma fase muito mais complexa, contraditória e imprevisível do que se supôs ao longo de gerações.

O retorno à antiguidade

A lição da antiguidade está em toda parte. Seguindo o seu exemplo, o nu torna-se os artistas do Renascimento uma das formas de arte mais realizado. Dentro deste antiquário grande movimento, mas cada um trabalha para desenvolver sua própria expressão. Essa consciência artística, esta pesquisa também é muito novo. Pintores e escultores retranscribe particular a influência dos clássicos e, agora, tentando fazer valer os seus pontos de vista e aspirações através das suas obras.
O conhecimento da antiga arte está em sua infância como a Toscânia escultor Donatello teve a idéia em 1430, representam o futuro Rei David matar Golias, um jovem pastor, conforme relatado na Bíblia. Juvenil, seu tronco ainda frágil, esportes David primeira proporções Renaissance sair do cânone grego. Mais tarde, os nus de Michelangelo Buonarroti, Michelangelo disse, escultor, pintor e arquitecto toscano caber mais segura para a herança grega, mas lidar com uma singular, único, estereótipos remoto (David 1501), e expressando uma humanidade, uma nova emoção e tensão.
O gosto pelo antigo continua onipresente. Artistas e fãs estão tendo aulas na redescoberta da beleza monumentos romanos, estátuas gregas e romanas recolhidas pelos clientes novos, mas também a fonte dos textos gregos e latinos. As escavações de sítios arqueológicos estão abertas em todos os lugares, e especialmente em Roma. As descobertas arqueológicas do Laocoonte (1506) e Apollo Belvedere marca o imaginário contemporâneo. Estudado, copiado, distribuído, estes grandes grupos e esculpiu estes modelos clássicos inspirar toda uma geração de artistas e suas oficinas.
Mas além das semelhanças formais que inspirou o Renascimento, a arte clássica também concilia o cristianismo ea cultura pagã. Michelangelo colocados lado a lado, os profetas da Bíblia e sibilas antigas. Em 1510, Rafael, pintor e arquiteto, é os grandes pensadores da antiguidade nas abóbadas da Basílica de São Pedro, em Roma.
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Renaissance

Mouvement artistique qui s'est exprimé dans la peinture, la sculpture et l'architecture en Europe, environ 1400 à 1600. Les principales caractéristiques de l'art de la Renaissance est l'imitation des formes classiques de l'Antiquité gréco-romaine et le souci de la vie séculière, d'humanisme et individuels.
Renaissance, Renaissance ou de la Renaissance sont les termes utilisés pour définir la période de l'histoire européenne à peu près entre la fin du XIIIe siècle et le milieu du XVIIe siècle, mais les chercheurs n'ont pas atteint un consensus sur cette chronologie, il ya des variations considérables dans les dates en fonction de l'auteur. En tout état de cause, la période a été marquée par des changements dans de nombreux domaines de la vie, marquant la fin du Moyen Age et au début de l'époque moderne. Malgré ces changements sont très évidents dans la culture, société, économie, politique et religion, caractéristique de la transition du féodalisme au capitalisme et de signifier une rupture avec les structures médiévales, le terme est plus couramment utilisé pour décrire ses effets sur les arts, la philosophie et sciences.


C'est ce qu'on appelle la «renaissance» en raison de la redécouverte et la revalorisation des références culturelles de l'Antiquité classique, qui a guidé l'évolution de cette période vers un idéal humaniste et naturaliste. Le terme a d'abord été enregistrées par Giorgio Vasari au XVIe siècle déjà, mais la notion de la Renaissance que nous comprenons qu'il est venu du livre de Jacob Burckhardt, la culture de la Renaissance en Italie (1867), où il a défini la période un temps de "découverte du monde et de l'homme"

Au cœur de la Renaissance : Florence
Capitale de la Toscane, Florence est le premier foyer de la Renaissance. Grâce au mécénat de grandes familles de marchands et de banquiers, des Médicis principalement, les arts connaissent un développement considérable dès le XIVe siècle et durant tout le XVe siècle. Pour le prince érudit de la Renaissance Laurent le Magnifique, l’art incarne un nouvel ordre et rentre au service de la politique, au-delà de la délectation qu’il procure.
Avec Cimabue, la peinture commence à s’affranchir timidement de l’esthétique byzantine, en deux dimensions, et de la raideur de la commande religieuse. Mais ce sont avec les œuvres saisissantes de Giotto di Bendone (1266-1337), notamment les fresques de la chapelle des Scrovegni à Padoue, que l’espace se creuse, presque illusionniste et tridimensionnel, que les formes deviennent tangibles, que le profane rencontre le sacré.
Dans la première moitié du Quattrocento, la peinture toscane est d’une grande diversité. Chaque artiste participe à cet élan dont les innovations portent la marque encore savante du gothique international ou d’une certaine permanence consacrée : Gentile da Fabriano, Fra Angelico... Le peintre le plus novateur des années 1420 est certainement Masaccio (chapelle Brancacci, Santa Maria del Carmne, Forence) : il met ses personnages en perspective et en volume, comme ses architectures, leur confère une monumentalité jusqu’alors oubliée. Une grande sobriété caractérise son œuvre, ainsi qu’une nouvelle humanité, une présence réelle et intense.
L’influence de cet artiste et de cette nouvelle voie picturale est considérable sur les peintres de sa génération (Fra Angelico, Paolo Uccello), sur la suivante (Filippo Lippi, Domenico Veneziano, Piero della Francesca) et au-delà, notamment sur Sandro Botticelli, puis sur les grands maîtres de la Renaissance.

La présence simultanée à Florence, à la fin du XVe siècle et au tout début du XVIe siècle, de Léonard de Vinci, de Raphaël et de Michel Ange, oriente de façon décisive le développement de la peinture. Outre La Vierge aux Rochers de 1483 (musée du Louvre), Léonard de Vinci réalise une grande fresque murale, La Cène, pour le réfectoire du couvent Santa Maria delle Grazie de Milan. À la fin du XVe siècle, il étudie les conditions dans lesquelles la perception d’une image coïncide avec celle de l’objet qu’elle représente, et critique les fondements optiques de la perspective. Il propose en retour une nouvelle technique qu’il baptise le sfumato (enfumé) et qui consiste à prendre en compte, dans l’image, les conditions de perception de l’objet. Parfois qualifiée de perspective atmosphérique, cette technique est fondée sur la superposition de couches très fines de peinture translucide qui donnent au sujet un contour vaporeux, correspondant à la vision d’estompement qui se créée avec la distance.
Ensuite, c’est aussi à Florence que le maniérisme s’affirme, au début du XVIe siècle. Mouvement artistique complexe, raffiné à l’extrême, il désigne le beau style ou en italien la bella maniera. Il est perçu comme un idéal de beauté qui tend vers l’exacerbation du style des grands maîtres de la Renaissance.
Le maniérisme implique une pratique intensive du dessin et un goût pour la déformation. L’œuvre d’art compose alors un espace désuni, privilégie une certaine acidité de la couleur et des codes iconographiques complexes. Le maniérisme représenté par Vasari, Bronzino Andrea Del Sarto, Jules Romain, Parmesan ou Le Corrège, affectionne particulièrement la ligne serpentine et rompt délibérément avec l’exactitude des proportions.

La culture de la Renaissance se manifeste d'abord dans la région italienne de Toscane, avec les principaux centres des villes de Florence et Sienne, et s'est propagée dans le reste de la péninsule italienne, puis à pratiquement tous les pays d'Europe de l'Ouest, tirée par le développement de la presse par Johannes Gutenberg. L'Italie a toujours été le lieu où le mouvement avait une plus grande expression, mais la renaissance des manifestations de grande importance a également eu lieu en Angleterre, Allemagne, Pays-Bas et, plus intensément, au Portugal et en Espagne et ses colonies américaines. Certains critiques, cependant, que, pour diverses raisons, le terme «Renaissance» devrait se limiter à la culture italienne de cette période, et que la circulation des idéaux classiques Italiens appartiennent plus proprement à la sphère du maniérisme. En outre, des études dans les dernières décennies ont passé en revue un certain nombre de revues consacrées à l'histoire de cette période, compte tenu de la non substantielles ou stéréotypés, et vu la Renaissance comme une phase beaucoup plus complexe, contradictoire et imprévisible à ce qu'il était censé pour les générations.
Le retour vers l’Antiquité
La leçon de l’Antiquité est partout. À son exemple, le nu devient pour les artistes de la Renaissance l’une des formes artistiques les plus accomplies. Au sein de ce grand mouvement antiquisant, chacun travaille toutefois à l’épanouissement de sa propre expression. Cette conscience artistique, cette recherche est elle aussi très nouvelle. Peintres et sculpteurs retranscrivent singulièrement l’influence des classiques et tentent d’affirmer désormais leurs visions et leurs aspirations à travers leurs œuvres.
La connaissance de l’art antique est à peine amorcée que le sculpteur toscan Donatello a l’idée, en 1430, de représenter le futur roi David en tout jeune berger terrassant Goliath, comme le raconte la Bible. Juvénile, le torse encore frêle, ce premier David de la Renaissance arbore des proportions qui s’affranchissent du canon grec. Plus tard, les nus de Michelangelo Buonarroti, dit Michel-Ange, sculpteur, peintre et architecte toscan, s’inscrivent plus fermement dans l’héritage grec, mais avec une maniera singulière, unique, éloignée des stéréotypes (David de 1501), et où s’exprime une humanité, une émotion et une tension nouvelle.
Le goût pour l’Antiquité reste omniprésent. Artistes et amateurs prennent des leçons de beauté devant les monuments romains redécouverts, les statues gréco-romaines collectionnées par les nouveaux mécènes, mais aussi à la source des textes latins et grecs. Des fouilles de sites antiques sont ouvertes partout, et en particulier à Rome. Les découvertes archéologiques du Laocoon (1506) et de L’Apollon du Belvédère marquent l’imaginaire contemporain. Étudiés, copiés, diffusés, ces grands groupes sculptés et ces modèles classiques inspirent toute une génération d’artistes et leurs ateliers.
Mais, au-delà des similarités formelles qu’il inspire à la Renaissance, l’art classique réconcilie aussi le christianisme et la culture païenne. Michel-Ange place côte à côte les prophètes de la Bible et les sibylles antiques. En 1510, Raphaël, peintre et architecte, représente les grands penseurs de l’Antiquité sous les voûtes de la basilique Saint-Pierre, à Rome.












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